El retrato es una de mis… habilidades… o debilidades.
Me gusta ver aparecer un rostro en un papel y verle coger vida en mirada, piel y pelo.
Tuve un momento difícil con el retrato, cuando hace ya 24 años, cuando dibujé el retrato de mi padre:
Retrato de mi padre, 1997
Cuando fui a enseñárselo, mi padre estaba indispuesto, así que sólo pudo verlo con una amarga sonrisa. Pensó, pensamos, que era una indigestión. Al día siguiente, cuando regresé de trabajar, supe que había sufrido un infarto. Estuvo dos meses en el hospital y finalmente falleció. Ese retrato en modesto pastel preside hoy el salón de la casa de mi madre.
Durante mucho tiempo me negué a retratar a personas que conocía personalmente, especialmente a mi familia. Poco a poco lo fui superando, retratando a actrices, fotos de revistas, desconocidos, iba superando el reparo a hacerlo. Me gusta probar con diversas técnicas, lápiz, pasteles, acuarela, o combinarlas a veces. Me gusta aprender de otros artistas y admirar cómo lo hacen. Alguna vez, en parte pensando en mis antiguos alumnos, he puesto en mi Youtube, PVillarrubia, vídeos dibujando un retrato:
Retrato de Isabella Rossellini
Dibujo de chica
Hace ya tiempo, en Flickr, entré en un grupo, Julia Kay Portrait Party, ya conocido como «JKPP», donde aportábamos nuestras fotos y nos dibujábamos unos a otros. Incluso de ese grupo nació un libro, «Portrait Revolution», para el que me pidieron varios dibujos, de lo que no obtuve ni ganancia ni copia, pero me gustó ver mis dibujos publicados y hasta me compré una copia para fortalecer mi ego y filmé un vídeo con ella. Entonces firmaba«PVillarrubia».
Los cambios en Flickr, donde sigo siendo PVillarrubia, con la pérdida de muchas imágenes que tenía publicadas allí, hicieron que poco a poco me alejase del grupo, lo que no significa que haya dejado de dibujar retratos.
A veces simplemente tomo una foto de alguien enInstagram y la transformo en su retrato, con técnicas variadas, a veces tradicionales, a veces digitales:
A veces el mejor, y único, premio es recibir el agradecimiento de los retratados, ya que suelo mencionarlos, o los corazoncitos de «me gusta» de quienes me siguen enInstagram.
Otra opción de satisfacer mis deseos de retratar es la redSktchy, con un funcionamiento similar al grupo de Julia Kay, pero planteada como una aplicación para móvil. Compartimos allí nuestros retratos y nos retratamos unos a otros, recibiendo por ello… corazones y comentarios.
Algunos de mis retratos en Sktchy App
Sktchy ha incluido además una Sktchy School, donde artistas ofrecen cursos en los que muestran en vídeo cómo trabajan y proponen ejercicios. Los que más me gustan son los que plantean como reto, como #3oFaces30Days, que plantean eso, dibujar 30 retratos en 30 días. Comprobar cómo dibujan la misma persona, no sólo el artista sino los alumnos, que a su vez pueden ser artistas o profesores de otros cursos, resulta muy interesante. Yo ya he participado en dos, el año pasado y éste.
El año 2020 no fue ni tan bueno como esperaba ni tan malo como temía.
No volví a escribir aquí desde abril, es cierto, y hasta puede que sea bueno, pero no dejé de crear.
Muchas cosas se interrumpieron y finalmente se cancelaron, como mis previstos viajes o un taller de acuarela que me atreví a comenzar:
En casa, cuando no pude salir, dibujé desde la ventana, mirando la pantalla de mi ordenador o la taza de café que tenía delante.
En 2020 me apunté a más cursos de arte (Doméstika, Crehana, Udemy, Sktchy, Sketchbook Skool, …) de los que podría realizar en 10 años. Aprendí algunas cosas. Copié o interpreté otras. Comprendí que necesitaban tiempo y práctica. Sigo con ello.
En cuanto al dibujo urbano, durante el confinamiento me inventé los «encuentros virtuales»: escogíamos un lugar en Google Maps, señalábamos unos puntos de interés y los dibujábamos mirando al ordenador. La idea, que en principio rechazaron los urban sketchers, tuvo éxito, se internacionalizó, se crearon grupos, y hoy es una práctica muy común entre dibujantes.
Y desde que pudimos salir, los Urban Sketchers Gran Canaria organizamos algunas salidas: lugares de la isla en los que nunca habíamos dibujado, y en condiciones en las que nunca habíamos dibujado. 15 eventos, entre virtuales y presenciales, conseguimos organizar:
Cuando yo usaba Flickr como portfolio, solía usarlo para ver las publicaciones de ese año y compararlas con las anteriores. Eso me permitía saber si había creado más o menos. En 2020, sin un portfolio oficial, es Instagram donde publico la mayoría de mis obras, y los «me gusta» el baremo con que mido su «valor» y la base de selección de las obras de los vídeos de cabecera.
Pero, sin contarlas, creo que en 2020, pese a disponer de más tiempo, han sido menos obras, pero también más variadas. He probado cosas distintas, desde encuadernar a collages. Ha habido más fotografías que dibujos o pinturas, algo de arte digital, algunos vídeos, mucho leído o visto en las pantallas.
Cierto que en 2020 se quedaron cosas en proyecto, como un libro mío, exponer, solo o en grupo, crear obras en torno a un motivo o en serie, probar el grabado o el modelado, pintar o dibujar más afuera, en la calle o en viajes, así que no puedo ni darme por satisfecho ni tampoco por vencido. Ahí siguen, y algunos serán realidad y otros seguirán siendo proyecto.
En estos tiempos agradezco sobre todo la salud y el tiempo de quienes conozco, y espero que todo vaya yendo poco a poco hacia eso que llaman «normalidad» y que sería básicamente vivir sin limitaciones, viajar, beber, abrazar, caminar, mirar, crear.
Mientras, de lo que se pueda y como se pueda, iré creando. Y espero compartirlo. De algún modo.
Iba a comenzar con el título «El Arte…» pero quizás el verbo sea lo más adecuado para lo que escribiré a continuación.
A comienzo de este año se puso de moda lo que llamaron el «Ten Years Challenge» (#10yearschallenge), que consiste en mostrar en las redes dos fotos, una de 2009 y otra de 2019, y creo que una foto de este tipo puede ser más clara de cómo ha cambiado, al menos para mí el arte en estos 10 años:
2009 – Ganador del concurso de pintura al aire libre – 2019 – mi dibujo en cartones de huevos
Más allá de mi cambio de peinado y de la barriga que oculto tras los cartones de huevos, la forma de apreciar mi arte ha cambiado: de recibir un premio y ver mi obra expuesta junto a otros ganadores, a recibir un correo donde me explican que un dibujo mío les ha gustado y han decidido ponerlo en la etiqueta de cartones de huevos.
De una sola obra, que estará en algún despacho u almacén, por la que recibí un dinero – del que se descontaron los impuestos – a miles de dibujos míos reproducidos por los que no recibiré nada, salvo ver mi firma en ellos.
Al año siguiente de ganar aquel premio, cuya historia conté por aquí, incluso me atreví a realizar una exposición en Teguise, que monté con gran ilusión con mi mujer y mis hijos aún pequeños:
De aquella exposición vendí dos únicas obras, a dos amigas, que aún hoy me recuerdan que las ven con alegría:
Entonces firmaba como «Plvm» y no como «PVillarrubia» como lo hago ahora, como se ve en las marcas de agua de estas imágenes.
Al poco tiempo me di cuenta cómo habían cambiado las cosas. En un encuentro de Urban Sketchers, mientras dibujaba se me acercó un señor que me dijo: «Me gustan mucho tus dibujos…» se lo agradecí, y el continuó: «… me gustan tanto que me los bajé, los imprimí y los tengo enmarcados en mi casa». Me quedé parado, mudo, no supe qué contestar en aquel momento, y no lo he vuelto a ver. Aunque supongo que no será el único que haya hecho lo mismo.
Y luego han habido otros casos, algunas veces me entero y otras me avisan, como cuando en el Twitter de la Unesco en español publicaron un dibujo mío de Lorca recortado sin que apareciese ni mi firma ni mención alguna. Y cuando se lo hice saber, me contestaron con breves disculpas, pero el tuit, retuiteado por otros, como he podido comprobar hoy, y como aquel dinosaurio del cuento de Monterroso, aún sigue ahí:
Otro caso fue cuando una amiga me avisó que una editorial educativa había publicado uno de mis collages para ilustrar unos de sus libros de texto. Les escribí varias veces, como cuento en mi blog educativo en «Carta a una editorial», y finalmente me escribieron «…sentimos mucho el fallo y, por supuesto, en la próxima reimpresión del libro lo corregiremos». Dudo si ha habido reimpresión o corrección, pero aquellos libros quedaron con mi trabajo, y sin mi nombre.
Y en estos tiempos de Internet he participado en distintas iniciativas, por las que he recibido reconocimiento por aparecer mi nombre y nula remuneración, como carteles para las exposiciones «Avatares 2.0», la exposición «#TwitterArtExhibit» o el libro «Portrait Revolution», que tuve que comprar por Internet para ver mis tres trabajos publicados en papel y los dos retratos que me hicieron:
Otras experiencias, como la exposición «La Mar de Arte», donde contactan conmigo por Internet, les hago llegar la obra, la enmarcan, la exponen y tú no puedes verla, no se vende, y luego envías a alguien a buscar tus obras.
Lo último, o quizás lo penúltimo, ha sido ver un dibujo mío publicado aquí en 2011 en etiquetas de cartones de huevos. Cierto que podían haberlo usado sin yo enterarme, y por ello, y pese a todo, tengo que agradecer que contactaran conmigo para explicarme sus intenciones y yo pedirles que al menos figurase mi nombre en las etiquetas. Así que, seguramente, será este uno de mis dibujos más reproducidos, miles de veces, y como otros tantos, sólo recibiré de ello la satisfacción de que alguien visitase este blog y eligiese mi arte y de poder ver abajo a la izquierda mi firma, «PVillarrubia»:
Esta semana, recordando los 80 años de la muerte del poeta Antonio Machado, se recordaban aquellos versos que escribió:
Españolito que vienes al mundo te guarde Dios. una de las dos Españas ha de helarte el corazón.
«Helarte…»
Las cosas han cambiado en 10 años, es cierto, signo de los tiempos, como ha cambiado la rambla que pinté en 2009, hoy en obras, y a punto de ser convertida en vía de transporte público para lo que aquí llaman «Metroguagua», y que aún no sé muy bien cómo se llevará con aquellos árboles que pinté:
El Arte, sin hache, también ha cambiado en estos tiempos de Internet, es más cercano, amplio, lo podemos ver en la palma de nuestra mano, y parece para muchos que se paga, cuando se dignan a ese mínimo gesto, con el simple reconocimiento de su autoría, con una efímera fama o seguimiento, como si el ego fuese la única recompensa de los artistas, como si no se hubiese dedicado a crear Arte tiempo, medios, reflexión y formación.
Nota final: no quiero terminar este post así. Quiero agradecer a quienes premiaron aquel cuadro de 2009, a quienes compraron aquellas obras expuestas, a quienes se acercaron para observarlas, a quienes estando lejos me pidieron que se las enviase, a mis hermanos, que compraron las obras de «La Mar de Arte», a quienes me escriben para decirme lo mucho que les gusta, a quienes me encargan alguna obra y esperan, pues no siempre puedo cumplir sus peticiones, a quienes me siguen y me otorgan esa fama efímera que, sin ser suficiente, ayuda a caldear este helado clima artístico, a mi familia, claro, que tolera mis cambios, tiempos e inseguridades, y a todos quienes esperan de mí algo nuevo, bueno y creativo por animarme a crearlo. GRACIAS.
Flickr, el servicio de almacenaje de fotos en linea, tiene mucho que ver con mi trabajo artístico y con este blog. Repasando mi historia, tengo cuenta en Flickr desde octubre de 2005, y como muchos, empecé utilizándolo para compartir mis fotos familiares y las que eventualmente hacía de paisajes o motivos.
En principio yo lo usé como archivo meramente fotográfico. Podía subir mis fotos y a su vez disfrutar de las de otros, con la posibilidad de marcar como favoritas las que me gustaban, dejar mi comentario o incluso compartirlas en redes sociales. La base de Flickr era la fotografía y los fotógrafos.
No fue hasta tiempo después que descubrí las posibilidades artísticas de Flickr, de difusión de dibujos y pinturas, a través de los grupos de Flickr, muy numerosos y variados en sus gustos y composición, donde podía compartir fotos y obras artísticas sobre diversos temas y técnicas, y a su vez contemplar las de otras personas, comentar en sus foros y hasta organizar retos, eventos o proyectos comunes.
Buscando grupos encontré tres que marcaron dos de mis aficiones, el primero fue sobre el dibujo de retratos, se llama Julia Kay Portrait Party y aún sigue en funcionamiento, con más de 1000 miembros y 54000 retratos compartidos. La regla del grupo es muy sencilla, una vez admitidos y presentados en el grupo, compartimos nuestras fotos para ser retratados y a su vez podemos retratar a quienes hacen lo mismo. No sé cuántos retratos me hicieron otros artistas ni cuántos hice en su momento, pero incluso llegué a publicar tres de ellos en el libro de Julia Kay, «Portrait Revolution».
Los otros dos grupos fueron sobre dibujo urbano. A través de Internet conocí la iniciativa de Gabi Campanario llamada «Urban Sketchers», que creó unas reglas y dinámica relativa a cómo debería ser el dibujo urbano o dibujo de cuaderno en esta época de Internet y cuyos dibujos precisamente compartían en Flickr en el grupo del mismo nombre Urban Sketchers, con más de 10000 miembros y 282000 dibujos publicados.
A través de él conocí y entré en el grupo Urban Sketchers Spain, hoy con 629 miembros y más de 31000 dibujos publicados. En este grupo pude informarme de eventos, retos de dibujo e ir conociendo algunos de los mejores dibujantes urbanos de nuestro país primero a través de sus dibujos y posteriormente a algunos en persona, como he contado en este blog.
Los grupos fueron creciendo en miembros y en cantidad de obras publicadas, y con ello necesitaba más tiempo para estar al día, y fui perdiendo el contacto personal, el hábito de comentar y ser comentado, y con ello también el interés en participar o intervenir en los foros y en el grupo.
Flickr también ha ido cambiando a través de los años, empezando como servicio de Yahoo, que también cambió de dueños y de línea hacia Flickr, siempre con la amenaza de desaparecer como han desaparecido otros servicios. En algún momento opté por contratar la opción Pro, por unos años, pero posteriormente aumentaron su capacidad de almacenamiento gratuito y se convirtió en innecesario y en la mejor opción gratuita para guardar, publicar y compartir lo que iba haciendo. Y además de ello, el componente social, la facilidad para insertar las fotos en WordPress e incluso la de subir pequeños vídeos me hicieron permanecer en Flickr todos estos años.
Ahora, adquirido por SmugMug, Flickr limitará a 1000 (yo tengo más de 5000) las fotos que se pueden almacenar gratuitamente, y subirá a cerca de 50 $ al año (en su momento yo pagaba lago más de 20€) el precio para la cuenta Pro.
Así que posiblemente en unos días (dicen que hoy ya) borrarán mis archivos de Flickr y en algunos artículos de este blog no se verán algunas imágenes que enlacé allí. He intentado seleccionar esos 1000 archivos que dejar, pero quizás la lentitud de la aplicación web de la plataforma Flickr, uno de sus defectos, no me deje tiempo para hacerlo. Por suerte, hice copia de seguridad, pero imagino que mis fotos en los grupos también desaparecerán.
Flickr además permitía a otras aplicaciones como Flickriver elaborar una selección de imágenes interesantes o favoritas que insertar en los blogs o webs:
Inktober es una iniciativa del artista Jake Parker que consiste en realizar un dibujo a tinta durante el mes de octubre y compartirlo en las redes sociales.
En octubre pasado me decidí a participar. Encontré una libreta que me gustó, con papel quizás demasiado fino, como comprobaría después e incluso le hice una página cero probando mis plumas y tintas.
E incluso filmé el proceso:
Luego llegó el momento de dibujar. Parece fácil, pero no lo es. Buscas un tema, una herramienta, color, líneas que usarás, y te enfrentas a él en una libreta que no siempre responde como tu esperabas. Quería que mis dibujos fuesen variados y a ser posible originales, y eso no siempre se consigue.
Además, durante ese tiempo recibes respuesta en las redes sociales, Facebook, Twitter, Instagram y al mismo tiempo ves los trabajos de muy diferentes artistas sobre ese reto, lo que es estimulante y al mismo tiempo puede ser agotador.
Quizás por eso, de la primera dificultad, en mi primer dibujo escribí: «a quien nació para esclavo, del cielo le llueven cadenas» y lo realicé con una tinta roja intensa, inspirándome, nada menos, en el conocido dibujo de Leonardo Da Vinci:
El segundo fue más relajado y realizado al natural. Un tema que repito sin cansarme: la playa de Las Canteras en una escena otoñal y para la que escogí una pluma azul. Lo titulé «para la libertad basta a veces una línea»:
El tercero siguió el tema de la playa, pero orientado hacia el Auditorio y la zona de El Rincón. Por ello lo titulé «La cultura en un rincón» y lo dibujé con un rotulador fino negro:
El cuarto dibujo partió de una visita a una exposición del artista canario Rafaely. Desde el fondo de una sala hice un dibujo añadiendo un tesxto del artista que decía: «En el Arte, como en la religión, no se debe criticar, sino practicar». Y eso es lo que hice:
El quinto dibujo partió de jugar con las sombras: lateral, frontal, contraluz… y con una pluma ancha en azul. La titulé «luces y sombras»:
En el sexto jugué con la geometría: líneas rectas, arcos, contrastes entre blanco y negro. Lógicamente no llegué a terminarlo. Lo titulé «Cuestión de perspectiva»:
En el séptimo volví a usar la tinta negra, pero para intentar realizar un retrato de la cantante brasileña Marisa Monte. Lo títulé con una frase suya: «Vou lembrar como é bon»:
El octavo convirtió su título en dibujo: «Camino ando con mil ojos»
En el noveno, usando tinta roja y azul, quise contar de nuevo una historia: «Me veo en tus ojos»
En el décimo quise jugar con palabras e imágenes, y con tinta azul, y de la canción de Police pasé a «masaje en una botella»:
Mi dibujo once partió de lo sencillo: con un rotulador fino negro, de nuevo la playa de las Canteras desde la cómoda mesa de una terraza, saboreando unas cervezas. La bicicleta frente a mí me inspiró el título: «La vida tiene ciclos»
El dibujo 12 creo que fue el día que abandoné el concurso de pintura al aire libre. Tomé una escena que pinté hace años y dibujándola con tinta azul escribí: «Crecer como palmera, sumar años como araucaria»
El dibujo 13 quiso ser un homenaje al dibujante Moebius y al mismo tiempo un juego con el día martes y trece y lo que se nos viene en la educación con el PP, la LOMCE y su ministro Wert. Lo titulé: «Martes 13 (homenaje a Moebius)»
El dibujo 14 siguió mezclando mi vida diaria como profesor con un homenaje a uno de mis dibujantes preferidos, Will Eisner. La caída de materiales y papeles a la puerta de mi aula me llevó a dibujar este «Un día cualquiera, homenaje a Will Eisner»:
Para el día 15 me inspiré en otro dibujante, Mattias Adolfsson, y quise reflejar distintos temas, también mi trabajo, que pasan a lo largo del día. Lo titulé: «La vida es así» (Inspirado en Mattias Adolffson)
El dibujo 16 quiso ser también un homenaje a uno de los grandes, Hergé, y me representé como en una de sus portadas, a su estilo y lo más realista y claro que pude, saliendo de mi instituto: «Tonton au Lycée» (Homenaje a Hergé)
En el día 17 volví a los retratos, este con línea fina y rotulador negro, de la cantante y escritora Amanda Palmer: «Reflexión / reflejo (Amanda Palmer)»
En el 18 volví a la tinta roja, que aquí derivó hacia el rosa, y con un pincel y jugando con el deseo, la luz y a sombra dibujé «La espera»:
En mi dibujo 19 de nuevo mi vida de docente reapareció. quise hacer una parodia de mis alumnos más cansinos y jugar con la tinta sepia y los carteles del Oeste, y la títulé sencillamente «Wanted»:
En el día 20 los dilemas volvieron a aparecer, y qué mejor que dibujar a Alejandro Magno deshaciendo el nudo gordiano a golpe de espada: «The Gordian Knot»
El día 21 ya estaba al límite de ideas y tan sólo se me ocurrió con jugar con rotuladores de colores de sello (corazón, carita, huella, pez, manzana,…) y llenar la hoja dejando un mensaje casi oculto: «Déjà Vu»
El 22 yo preparaba el día de los Finados o Halloween en el instituto y dibujé caras de monstruos y vampiros y los titulé «Terror». Creo que para esas fechas ya llevaba retraso en mis dibujos diarios y los publicaba pasada la fecha:
El dibujo 23 ya no lo compartí en Flickr, este y los siguientes los publiqué hoy, aunque creo que sí en Facebook e Instagram. Ya me saturaba el reto, casi tanto como las piedras que dibujé con tinta azul, aunque ahora que lo reviso, disfruto con el resultado: «Callaos»
El dibujo 24 vino tras el 49 SketchCrawl en Las Palmas de Gran Canaria (algo que aún no he contado en este blog). Dibujamos en lo más alto de la Catedral y las vistas desde su torre me inspiraron lo que sería volar desde allí: «Volando»
En el dibujo 25 volví al agua, a la tinta azul y al pincel. En un papel tan fino la tinta se mezcló y lo arrugó para crear este «Como el agua»:
El dibujo 26 quería jugar con el tiempo, el rotulador, las texturas, creando un «tangle» que titulé «Procraftination»:
el 27 fue de nuevo un juego con pincel y tinta sepia, «Cintas»:
El 28 fue laborioso. Usé compás y rotulador negro para crear este «En el punto de mira»:
El 29 fue el último. Mi intención era completar los 31, sólo me faltaron 2, pero el tiempo fue pasando y el cuaderno quedó así. Este dibujo, casi un cartel, partió de una visita con alumnos al Festival Comic-Can 2015. La mezcla de lo que vi allí me hizo dibujar este «Manga-Comic»:
Mi resumen de la experiencia es que, aunque agotadora, fue muy productiva, e incluso se transmitió al mes de noviembre, siendo este mi período más productivo del 2015, y como consecuencia varios de los dibujos de esta serie están entre los míos más vistos en Flickr.
El post ha sido largo, pero me ha ayudado a recordar el proceso. Espero que les haya gustado.
A continuación, una presentación con todas las obras:
Gerard Michel, uno de los mejores dibujantes que -ahora puedo decirlo- conozco, no sólo fue ponente en el «IV De Vuelta con el Cuaderno«, en Zaragoza.
Allí no se limitó a mostrar sus dibujos en pantalla (algo que le costó mucho, todo hay que decirlo, en la Sala de la Corona de Pignatelli, y hubo de repetirlo en otra sala con mejor proyección y medios), sino que nos dejó tener en nuestras propias manos sus cuadernos, disfrutar de ellos, de sus líneas y colores, nos dio varias clases prácticas de dibujo de arquitectura, paso a paso,como bien supo reflejar Rosa de Trías en su dibujo, que tantas carcajadas arrancó al propio Gerard:
Gerard Michel, esos días, paseó, dibujó, comió, cenó, vivió con nosotros esos días, y siempre lo vi cercano y sonriente. La última noche, tras esforzarse conmigo, corrigiendo mi mal francés, escribió de derecha a izquierda con su mano zurda en mi humilde cuaderno: «Leçon de perspective»:
Aquella noche me dijo que él no necesitaba publicar sus dibujos, que quien quisiera verlos lo podía hacer en su galería de Flickr.
Al día siguiente, cuando yo salía del hotel, ahí estaba, sentado en el bordillo de la acera… dibujando.
Quizás algún día, cuando yo sea más joven y haya pasado muchas horas dibujando, pueda parecerme a él. O casi. Entretanto he recibido de él una gran lección de perspectiva, y no solo visual, sino vital.
Gracias. Gerard
Traduction en français
Gérard Michel, l’un des meilleurs dessinateurs que, je peux dire aujourd’hui , je connais, non seulement était un haut-parleur au cours «IV de Vuelta con el Cuaderno» à Saragosse.
Il n’a pas seulement montré leurs dessins sur l’écran (quelque chose qui a coûté beaucoup, je dois dire, dans la salle de la Couronne de Pignatelli, et a eu à le répéter dans une autre pièce avec une meilleur de projection), mais il laissait-nous avoir dans nos propres mains ses carnets de voyage, les apprécier, ses lignes et de couleurs, il nous a donné toutes sortes de pratiques de dessin d’architecture, étape par étape, car Rosa de Trias elle sait réfléchir sur leur dessin, qui fais tant rire Gérard lui-même:
Gérard Michel, ces jours-ci, il a marché, a dessiné, a mangé, il a vécu avec nous ces jours-ci, et je l’ai toujours vu près et souriant. La troisième nuit, après de parler avec moi, et de corriger mon mauvais français, il a écrit de droite à gauche avec sa main gauche dans mon carnet: «Leçon de perspective»:
Cette nuit-là il m’a dit, «je n’ai pas besoin de publier mes dessins, celui qui veut voir mes dessins il peut là faire dans mon galerie à Flickr».
Le lendemain, quand j’ai quitté l’hôtel, il étais là, assis sur le trottoir … en dessinant.
Peut-être un jour, quand je suis plus jeune et j’ai passé beaucoup des heures en dessiner, peut être je serais comme lui. Ou presque. Pendant ce temps, ces jours a Saragosse j’ai reçu de lui une grande leçon en perspective, pas seulement visuelle, mais vital.
Este es un vídeo que he rodado con la técnica del Stop Motion: horas del proceso de dibujo resumidas en menos de 3 minutos. Y es que no es fácil organizar un estudio de rodaje en una mesa y con una cámara casera, pero se puede hacer. Así lo hice yo:
Estudio de rodaje casero
Y es que, siguiendo con los post explicando procesos de dibujo, hoy le tocaba el turno a la tinta china. La técnica de tinta china sólo usa el blanco del papel y el negro de la tinta. Los tonos intermedios o bien no se dibujan, o se hacen con rayados finos de negro. Por ello es importante elegir motivos muy contrastados, con luces muy blancas y sombras muy oscuras. Como ven arriba, yo elegí una foto de la actriz Isabella Rossellini. Luego encontré muchas más:
Fotos de Isabella Rossellini
En el post anterior sobre la técnica de la aguada ya utilicé tinta china diluída en varios tonos, pero en este caso se usa pura y negra.
Eso sí, si ven el vídeo notarán que al principio del entintado, por error, usé una tinta diluída. Hube de seguir usándola, pero luego lo corregí cubriéndola con la tinta opaca correcta. Ese paso no era necesario, obviamente.
Resumiendo, los pasos que he seguido han sido: cuadrículado y dibujo a lápiz, borrado de lápiz, entintado de zonas grandes con pincel grueso (pelo y ropa), entintado de detalles con pincel fino (cara y manos), corrección de manchas, y firma.
El trabajo con pincel fino puede ser sustituido con rotuladores de punta fina, pero creo que los pinceles dejan un trazo más atractivo. Y aquí les dejo el resultado final:
«De la mano (padre e hijo)» es una aguada a tinta china que he realizado hace unos días.
Para mí, la aguada no es un trabajo «de grises», sino de luces. Su fin, como en la buena fotografía en blanco y negro, que tampoco es fotografía «de grises», es destacar la luz, el contraste entre el blanco y el negro con la sutilidad de los tonos medios. Partí para este trabajo de esta estupenda foto sin título de thejbird en Flickr:
Copiar una foto no siempre es lo mejor, así que preferí interpretarla, invirtiendo la posición del niño. Normalmente leemos de izquierda a derecha, y en la foto original la etención comenzaba en las manos. Yo preferí centrarme en el niño, en su mirada.
La aguada de tinta no se mezcla como las pinturas, se superpone, cada mancha deja su huella y es imborrable, lo que lo hace una técnica no apta para grandes errores. El papel era normal, de dibujo, sin preparar, se arrugó con el agua, pero quise improvisar, un tintero de tinta china con varios pocillos a los que añadí distintas proporciones de agua y tinta, tiempo, y a dibujar.
Estos son los pasos del trabajo (y disculpen la calidad de las fotos):
1-Dibujo a lápiz y agua en fondo
2-Aguada clara: fondo
3-Aguada oscura: cara y manos
4-Aguada media: perfilando cara y pelo
Al jugar con la imagen para un avatar, y encuadrarla en formato cuadrado, creé otra versión, aún más centrada en el niño, que también les muestro:
Y termino, como en otras ocasiones, con una presentación de todas las imágenes, que espero se vean correlativas:
Acuarelas y Apuntes 